In dieser Kategorie veröffentlichen wir Beiträge zum Thema Ausstellungen bzw. Kunstausstellungen in Düsseldorf, der Region Nordrhein-Westfalen (NRW), Deutschland und ggf. auch dem Rest der übrigen Welt.
Zum 27. Mal öffnen Düsseldorfer Künstlerinnen und Künstler dem Publikum ihre Ateliers und Offräume. Sie sind herzlich eingeladen, an den letzten beiden Augustwochenenden die Ateliers und Austellungsorte zu besuchen, ins Gespräch zu kommen und die Vielfalt der Düsseldorfer Kunstszene zu erleben.
Die Aktion wird an diesen Wochenenden stattfinden:
Die Offräume – von Künstlerinnen und Künstlern betriebene Ausstellungsorte – öffnen am Freitagabend vor den Kunstpunkte-Wochenenden um 19:00 Uhr. Einige können nur freitags, andere das ganze Wochenende besucht werden.
Die Kunstpunkte sind auf Instagram präsent. Erleben Sie dort vorab Künstlerinnen und Künstler in ihren Ateliers und hören Sie, was sie zu ihrer Arbeit sagen.
Die Standorte der Kunstpunkte und der Offräume entnehmen Sie der Karte.
Interessierte Besucher haben die Möglichkeit, an den Geführten Atelierbesuchen teilzunehmen: Künstlerinnen und Künstler bieten geführte Touren durch ausgewählte Ateliers und Offräumen in den Stadtteilen an.
Die Kulturstiftung Rostock e.V. und die Hanse- und Universitätsstadt Rostock verleihen – im Jahre 2023 zum 17. Mal – den Rostocker Kunstpreis. Möglich wird dies erneut durch die großzügige Unterstützung der PROVINZIAL-Versicherung. Ziel des Preises ist, Künstlerinnen und Künstler, die in Mecklenburg- Vorpommern leben oder deren Biografie und Werk einen Bezug zur Region hat, zu würdigen und zu fördern. Das Genre soll jährlich wechseln. Für 2023 wird der Kunstpreis erstmals für Objektkunst ausgeschrieben. Zur Bewerbung können Objekte eingereicht werden, die in Form, Oberfläche und Material frei gestaltet sind und ein Ausmaß von 1 m3 und 100 kg nicht überschreiten.
1. Höhe und Art des Preises
Die Auszeichnung besteht aus einem Preisgeld in Höhe von 10.000 €. Die Hanse- und Universitätsstadt Rostock wird die von der Jury für den Kunstpreis nominierten Kandidatinnen und Kandidaten mit dem Ankauf von Werken für die Kunsthalle Rostock auszeichnen.
2. Teilnahmebedingungen und Bewerbung
Jede Teilnehmerin und jeder Teilnehmer kann eine Auswahl ihrer bzw. seiner Arbeiten – zunächst in Form von hinreichend repräsentativen Reproduktionen in kompakter ausgedruckter Form einreichen (keine Lose-Blatt-Sammlung oder digitale Bewerbung mit USB-Stick, CD oder per E-Mail). Die Bewerbung sollte im Format DIN A4, maximal DIN A3, mit einem Deckblatt/Kennwort „Rostocker Kunstpreis 2023“ erfolgen.
Aus Versicherungsgründen dürfen keine Originale eingereicht werden. Eine Kurzbiographie ist den Bewerbungsunterlagen beizufügen. Der Absender (Name, Adresse, Mailadresse, Telefon-Nr.) ist deutlich auf den Unterlagen zu kennzeichnen.
3. Jury
Die Jury besteht aus Vertretern der Kulturstiftung Rostock e.V., der Hanse- und Universitätsstadt Rostock, der PROVINZIAL-Versicherung und der Kunsthalle Rostock sowie weiteren externen Fachleuten, u.a. Professorinnen und Professoren der Fakultät Gestaltung der Hochschule Wismar. Aus dem Kreis der Bewerberinnen und Bewerbern nominiert die Jury Kandidatinnen und Kandidaten für den Kunstpreis. Die Jury bittet die ausgewählten Kandidatinnen und Kandidaten für den Rostocker Kunstpreis, Originale für eine Ausstellung in der Kunsthalle Rostock maritim einzureichen.
4. Termine
Bewerbungen können
bis zum 31. August 2023
an die
Kunsthalle Rostock, Hamburger Straße 40, 18069 Rostock,
mit dem
Stichwort „Rostocker Kunstpreis 2023“
geschickt werden.
Ab dem 21. Oktober 2023 werden die Original-Arbeiten der von der Jury nominierten Kandidatinnen und Kandidaten in der Kunsthalle Rostock der Öffentlichkeit präsentiert. Die Preisverleihung erfolgt im Rahmen einer Festveranstaltung am 2. Dezember 2023.
5. Transport
Die Kandidatinnen und Kandidaten für den Rostocker Kunstpreis werden gebeten, den Transport und den Rücktransport der eingereichten Arbeiten selbst zu realisieren. Wenn notwendig, können nachzuweisende Kosten anteilig von der Kulturstiftung Rostock e.V. übernommen werden. Reise- und Übernachtungskosten sind von den Kandidaten selbst zu tragen.
6. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen.
Mitteilung des Vereins Freunde und Förderer der Kulturstiftung Rostock e.V.
Ist das Shopify-Shopsystem zu empfehlen – ein persönlicher Erfahrungsbericht
Nachdem ich mehrere Jahre einen Web-Shop von STRATO betrieben haben, betreibe ich nun seit sechs Monaten einen Web-Shop von Shopify.
Nach diesen 6 Monaten muss ich nun feststellen, dass meine Erfahrungen doch eher negativ waren. Insbesondere der Support und Service lassen doch sehr zu wünschen übrig. Ein Beispiel im direkten Vergleich zu STRATO: während es bei Strato eine Telefon-Hotline gibt, bei der man jedes Problem im direkten, persönlichen Gespräch mit meist sehr kompetenten Servicemitarbeitern klären kann, kann man sich bei Shopify per Mail an einen Support werden, von dem dann aber keine Antwort kommt (selbst erlebt). Typisch für ein anscheinend rein auf den schnellen Profit ausgerichtetes Unternehmen ( gegründet von dem nach Kanada ausgewanderten Deutschen Tobias Lütke, von dem man im Umgang mit seinen Mitarbeitern auch nichts Gutes hört – zumindest, was ich bei Drittquellen gelesen habe) ist dann auch, dass man für den Support ein Forum erstellt, wo man dann einfach hilfsbereite andere User helfen lässt, die das gerne und noch dazu kostenlos machen.
Technisch gesehen sind die Frontend-Funktionen einigermaßen ok. Das Backend weist allerdings doch einige Schwächen auf, insbesondere das Basis-Abo, das bereits mit stolzen 37 EUR/Monat zu Buche schlägt. Die Reportings in der Grundversion sind schlecht und viele an sich zu erwartende Kernfunktionen überlässt man Apps, die man oft kostenpflichtig zubuchen muss. Man muss sich z. B. einmal vorstellen, dass so grundlegende Dinge wie „Erstellung einer finanzamtsfähigen Rechnung“ nicht ohne weiteres vom Shopify-Grundsystem vom Start an geleistet werden kann – Shopify kennt z. B. keine Rechnungsnummer(!) – in der deutschen FiBu eigentlich ein Unding.
Und nun noch eine persönliche, sehr negative Erfahrung, die ich im direkten Kontakt mit Shopify gemacht habe. Nachdem ich einen etwas höheren Umsatz mit dem Verkauf dreier Kunstwerke an einen Sammler in die USA gemacht hatte, bekam ich per Mail von Shopify eine Einladung zu einem Video-Interview zu den Erfahrungen, die ich bei der Umsetzung dieses Verkaufs mit dem Shop gemacht hatte. Für die Teilnahme an diesem Interview hatte man mir 50 UDS als Gutschrift versprochen.
Zunächst einmal überraschte mich der Vorgang als solcher schon – woher wusste Shopify von diesem einzelnen Geschäft? Für mich sieht es so aus, als „liest“ Shopify ständig mit und verfolgt die Umsätze, die mit seinen Shops gemacht werden. Das ging mir eigentlich schon zu weit – einen Shopsystembetreiber gehen eigentlich die Umsätze seiner Abonnenten erst einmal nichts an. Ich stimmte aber dennoch diesem Interview zu, welches dann auch tatsächlich zustande kam und gut eine Stunde dauerte. Und nun die Krönung: die versproche Gutschrift von 50 USD habe ich nie erhalten! Ein solch unprofessionelles Verhalten eines doch immerhin börsennotierten Unternehmens hat mich dann doch überrascht. Ich hatte den betreffenden Mitarbeiten sogar zweimal per Mail dazu kontaktiert – noch nicht einmal eine Antwort.
Zum Schluss noch einen Rat für „blutige Anfänger“ in Sachen Web-Shop: Anfänger dürften es mit Shopify schwer haben, da der Support doch eher grenzwertig ist. Solange kein Problem auftritt – alles gut, aber wenn ja, dann kann es schwierig werden – und wenn man ein bisschen was besonderes machen möchte, dann braucht man auch bei diesem Baukastensystem schon mal ein bisschen HTML und/oder CSS-Kenntnisse.
Vom 16. Juni bis 2. Juli 2023 findet das 11. asphalt Festival in Düsseldorf statt. Auch dieses Mal bietet das asphalt Festival ein reichhaltiges Programm an Musik, Theater, Performance & Kunst.
Stellvertretend möchten wir auf folgende Performance hinweisen:
Danse Macabre Musik-Performance von Dakh Daughters und Vlad Troitskyi (Ukraine)
Do 29 Juni 2023 20:00 Fr 30 Juni 2023 19:30
Die fulminante ukrainische Musik- und Performancegruppe Dakh Daughters aus Kiew ist spätestens seit den Euromaidan-Protesten 2013/2014 international bekannt. In ihrer aktuellen Performance »Danse Macabre«, die kurz nach dem Beginn des russischen Angriffskrieges auf die Ukraine entstand, erzählen die sechs Schauspielerinnen und Sängerinnen die Geschichten von Frauen aus der Ukraine: Geschichten über den Krieg in ihrem Alltag und ihren Familien und wie er ihre Beziehung zum Leben verändert hat. Ausgehend von den Versen des Buches Hiob, verwoben mit Shakespeare-Sonetten, Liedern und Zeugnissen über den Krieg, ist »Danse Macabre« Anklage, Bericht und Revue. Die Dakh Daughters vermischen ihre virtuosen Cross-Genre-Kompositionen zwischen Ethno, Punk, ukrainischen Volksweisen, Cabaret und Vaudeville mit persönlichen Erzählungen – und stellen nicht nur die Gewalt eines Konfliktes auf sehr eindringliche Weise dar, sondern appellieren auch an Menschlichkeit und Solidarität. »Danse Macabre« ist als ein Akt des Widerstands konzipiert, als eine Art »Fronttheater«, um Zeugnis von dem abzulegen, was tausende Kilometer entfernt in der ukrainischen Heimat geschieht. Eindringlich führt das Stück vor Augen, was Kunst in diesen Zeiten leisten kann: Die Bühne wird zu einem wertvollen, geschützten Raum, um sich zu versammeln, zu teilen, anzuprangern und vielleicht sogar zu heilen.
asphalt Festival 2023 „Danse Macabre“, Foto Oleksand Kosmach
Die Dakh Daughters gründeten sich 2012 am Center of Contemporary Art DAKH in Kiew, einem freien Theater und Zentrum für experimentelle zeitgenössische Kunst. Im März 2022 flohen die Künstlerinnen gemeinsam mit Regisseur und Theatergründer Vlad Troitksy aus der Ukraine und fanden Zuflucht im Centre Dramatique National de Normandie im französischen Vire, wo sie weiterhin künstlerisch arbeiten können. In ihren musikalischen Performances singen die Dakh Daughters in verschiedenen Sprachen und Dialekten, die Mitglieder der reinen Frauenband spielen insgesamt 15 Instrumente. Gründer Vlad Troitskyi bezeichnet die Gruppe als »intellektuelles Freak-Kabarett«.
Mit Die Letzten ihrer Art. Handwerk und Berufe im Wandelbeschließen wir ab 2. Dezember das Jahr mit einer gesellschaftspolitischen Ausstellung, die den beruflichen Wandel in Nordrhein-Westfalen in den Blick nimmt und sich fünf gefährdeten Professionen widmet. Mit zwei weiteren, ganz unterschiedlichen Ausstellungen, Die Oper ist tot – Es lebe die Oper!und Ernsthaft?! Albernheit und Enthusiasmus in der Kunst, gibt die Bundeskunsthalle in der Adventszeit und über den Jahreswechsel hinweg bis in das Frühjahr hinein viele Gründe für einen abwechslungsreichen Besuch….
…bis sich ein kulturhistorisches Highlight ab 1. April 2023 in Szene setzt: 1920er! Im Kaleidoskop der Moderne beleuchtet die 1920er-Jahre mit ihrer Umbruch-phase und als Experimentierfeld der westlichen Moderne. Die Gleichzeitigkeit und Radikalität dieser Epoche verleiht ihr noch im 21. Jahrhundert – und das nicht erst seit „Babylon Berlin“ – eine bemerkenswerte Aktualität mit hoher medialer Aufmerksamkeit und bildet den Ausgangspunkt dieser Ausstellung mit ihren rund 250 Exponaten.
Interactions präsentiert ab dem 30. April im Zusammenspiel mit der Bonner Rutschbahn von Carsten Höller, Jeppe Heins Wasserpavillon auf dem Museumsplatz und The Curve von Bettina Pousttchi auf dem Dach der Bundeskunsthalle ein Sommerprogramm der Interaktionen, zeitgenössische Arbeiten im Innen- und Außenbereich, die zum interaktiven Spiel einladen, sich aber auch mit Bildsprachen, Tanz, Musik oder Klang beschäftigen.
Letztes Jahr wurdeJosephine Baker als sechste Frau überhaupt in die Ruhmeshalle der französischen Nation, in das Pantheon, aufgenommen. Grund genug, nach Hannah Arendt und Simone de Beauvoir mit ihr ab dem 18. Mai die von Eva Kraus initiierte „Frauenreihe“ fortzusetzen. Die Ausstellung zeigt Josephine Baker als Weltstar, Freiheitskämpferin und Ikone, die bis heute Inspiration für viele Künstler*innen und Vorbild für Selbstermächtigung und gesellschaftliches Engagement ist.
Als kulturgesellschaftliches und zugleich gesellschaftspolitisches Projekt wirft Wer wir sindab 26. Mai einen Blick auf die Gegenwart und Vergangenheit jener Einwanderungsgesellschaft, die die Bundesrepublik Deutschland ausmacht. Das Recht auf Teilhabe und der Schutz vor Diskriminierung sind in unseren Grundrechten verbrieft. Gleiche Rechte bedeuten jedoch nicht gleiche Voraussetzungen: Herkunft, Religion und Kultur können zum Stigma werden. Wie steht es heute also tatsächlich um die Gerechtigkeit in unserer Gesellschaft?
Unter dem Arbeitstitel Postmoderne 1967–1992 startet der Kunstherbst mit und in dem größten Exponat dieser Ausstellung, der Bundeskunsthalle selbst. Denn mit ihrem spielerischen Charakter ist die 1992 eröffnete Bundeskunsthalle eine Erbin der Postmoderne. Die Ausstellung indes bietet einen chronologischen Überblick durch die Jahre und stellt Entwicklungen in Kunst, Design, Architektur, Mode, Medien, Darstellenden Künsten, Musik, Literatur, Theorie, Politik, Film, Technologie und Wissenschaft gleichwertig nebeneinander und zueinander in Bezug. Ab 29. September.
Einen knappen Monat später, am 27. Oktober, beginnt die wohl traditionsreichste Ausstellung. Bereits seit 1994 präsentiert die Bundeskunsthalle den Bundespreis für Kunststudierende. Der alle zwei Jahre stattfindende Bundeswettbewerb des Bundesministeriums für Bildung und Forschung zeigt zum 26. Mal die aktuellste Produktion zeitgenössischer bildender Kunst in Deutschland mit bis zu acht Preistragenden.
Die bahnbrechenden Beiträge des Philosophen Immanuel Kant (1724–1804) zur Aufklärung, seine Überlegungen zur Ethik, Emanzipation, Erkenntnistheorie und Völkerrecht gelten bis heute als Referenzpunkte für richtungsweisende Debatten. Am Vorabend seines 300. Geburtstages am 22. April 2024 wird die Ausstellung Immanuel Kant und der Geist der Aufklärungab 24. November 2023 auch einem philosophisch nicht vorgebildeten, explizit auch jungen Publikum die vier berühmten kantischen Fragen: „Was kann ich wissen? Was darf ich hoffen? Was soll ich tun? Was ist der Mensch?“ näherbringen.
Kurz bevor sich das Jahr 2023 verabschiedet, wird die KünstlerinAnna Oppermann (1940–1993) als Schlüsselfigur der deutschen Konzeptkunst vorgestellt. In den sechziger Jahren entwickelte sie ihre radikal offene und dialogische Sprache. Ihre komplizierten Assemblagen aus Zeichnungen, Fotografien und Objekten entwickelten sich zu großformatigen, raumgreifenden Installationen, für die die Künstlerin den Begriff „Ensemble“ prägte.
Wenn die Ausstellungstüren schließen, gehen beilive artsdie Scheinwerfer an. Internationale Produktionen aus Tanz, Theater, Musik und Performance stehen auf dem Programm. Erfolgreich im Jahr 2021 gestartet, komplettiert STUDIO BONNmit Diskussionen das Kunst- und Kulturjahr in der Bundeskunsthalle. Der Gesprächsreihe „Globale Nervensysteme“ gesellt sich im Jahr 2023 neu „Wo sind denn alle?“ hinzu.
Ausstellungsübersicht bis 5. Februar 2023 DIE OPER IST TOT – ES LEBE DIE OPER! bis 10. April 2023 ERNSTHAFT?! ALBERNHEIT UND ENTHUSIASMUS IN DER KUNST bis 2. April 2023 DIE LETZTEN IHRER ART. HANDWERK UND BERUFE IM WANDEL 9
April – 30. Juli 2023 Die 1920er-Jahre gelten als Umbruchphase und Experimentierfeld der westlichen Moderne. Die Gleichzeitigkeit und Radikalität dieser Epoche verleiht ihr noch im 21. Jahrhundert eine bemerkenswerte Aktualität und bildet den Ausgangspunkt dieser Ausstellung. Kaleidoskopartig wird die Vielfalt der unterschiedlichen Bilder und Stimmen zu immer neuen Konstellationen zusammengefügt, die den Blick für die Einzigartigkeit der Ereignisse sowie für die Analogien zur heutigen Zeit gleichermaßen schärfen sollen. Das Jahrzehnt wird einerseits von einer tiefen Zerrissenheit geprägt, andererseits wird es von einem ungebrochenen Fortschrittsglauben und noch nie dagewesenem Innovationsschub in allen gesellschaftlichen Bereichen (Kultur, Wissenschaft, Wirtschaft und Politik) erfasst. Das Wort NEU entwickelt sich zum allgegenwärtigen Schlagwort der Epoche. Obgleich richtungsweisende Entwicklungen bereits vor 1900 einsetzten, kommen sie erst Jahrzehnte später – durch eine immense Beschleunigung und internationale Verflechtungen entfesselt – richtig zum Tragen. Auch Kunst und Kultur erheben selbstbewusst den Anspruch, die „neue Wirklichkeit“ mitgestalten zu wollen. Weitgespannte Künstlernetzwerke entfalten ihre Wirkungsmacht über die traditionellen Kunstzentren um/nach 1900 – Paris, Wien, München, London – hinaus, die bis in die USA, nach Lateinamerika und Asien ausstrahlt. Die rasante Internationalisierung des Kunstbetriebs erweitert die etablierte Netzgeografie um weitere Kunstmetropolen wie Berlin, Moskau, Rom, Prag, New York oder Mexiko City. Gesellschaftliche Umbrüche, politische Divergenzen, Massenkommunikation und Mobilität tragen zur Ausbildung urbaner, multikultureller Avantgarden bei, deren Mitglieder sich jenseits der Generationsgrenzen durch programmatische Orientierung und multimediale Kunstpraxis definieren. Es ist eine Epoche der Kontraste und Konflikte, in der sich unterschiedliche Kunstpositionen nebeneinander behaupten. Die Disziplinen übergreifend angelegte Ausstellung will dieses kaleidoskopartige Bild der 1920er-Jahre einer aktuellen Betrachtung unterziehen. Drei große Themenkomplexe bestimmen und strukturieren das Ausstellungsnarrativ: Das Phänomen der Großstadt als Biotop und Zerrbild der Moderne; der Diskurs über die neuen Rollenbilder von Frau und Mann sowie die Konstruktion und Wahrnehmung der neuen Lebenswelten. Dabei soll nicht nur der Topos der verrückten, wilden Jahre bemüht, sondern die ästhetischen Zirkulationsprozesse zwischen den einzelnen Kunstströmungen und Kunstzentren jenseits der gängigen (geo-kultur-politisch sanktionierten) Denkmuster von Zentrum und Peripherie offengelegt werden. In den Fokus gerückt werden die prägenden Phänomene dieser Epoche – Globalisierung, Geschwindigkeit, Experimentierlust, Hinterfragung der Geschlechterrollen, urbane Lebenswelten, die Vielfalt künstlerischer Konzepte, veränderte Sehgewohnheiten, Technisierung, Massenkommunikation – erfassen und einen differenzierten Einblick in das Kaleidoskop der Moderne gewähren. Gleichzeitig stehen mögliche Parallelen zu den Entwicklungen in den ersten Dekaden des 21. Jahrhunderts bewusst im Raum. Kuratorin und Ausstellungsleiterin: Agnieszka Lulińska 13 INTERACTIONS
April/1. Mai – Mitte Oktober 2023 Die Bundeskunsthalle veranstaltet ein Sommerprogramm der Interaktionen, des Spiels sowie visueller und akustischer Impulse rund um das Haus und ergänzt damit die vorhandenen Kunstwerke im Außenraum: Den sich allsommerlich auf dem Platz präsentierenden Wasserpavillon Circular Appearing Rooms von Jeppe Hein, die Bonner Rutschbahn von Carsten Höller, die sich um seine eigene Achse die Fassade hinauf schlängelt und The Curve von Bettina Pousttchi, die sich ebenfalls der Bewegung widmet. Alle drei werden als partizipative Angebote von einem breiten Publikum sehr dankbar genutzt und eröffnen neue Momente der eigenen Wahrnehmung. Mit den „Interaktionen“ werden verschiedene Orte des öffentlichen Raumes der Bundeskunsthalle – teilweise auch bis zum Herbst – besetzt: Vom Dach über das Foyer und das Forum in den Innenhof und auf den Vorplatz werden ausgewählte Kunstwerke oder Aufführungen angeboten, die zum interaktiven Spiel einladen, sich aber auch mit Bildsprachen, Tanz, Musik oder Klang als grenzüberschreitende und universelle Kommunikationsform beschäftigen. Performances verschiedener Künstlerinnen bilden eine gestische Ergänzung. Interaktionen, Interventionen, auch mögliche Irritationen sollen den Besucherinnen die Möglichkeit geben, an der Kunst spielend teilzunehmen; sie wird als offenes Angebot verstanden, das sowohl dem individuellen als auch dem kollektiven Erleben dient – ein Miteinander, bei dem Rollen hinterfragt, Offenheit, Toleranz und Sensibilität gefördert werden. Die eingeladenen Künstler*innen sind an einer gesellschaftlichen Kunstpraxis interessiert, die erweiterte Erfahrungen anbietet, auch um eine mögliche Distanz zur Kunst und innerhalb einer Gesellschaft abzubauen.Ein kleines Festivalprogramm und eine Abendveranstaltung zur Eröffnung (Tanz in den Mai) ergänzen die Lebendigkeit des Programms. Kuratorin und Ausstellungsleiterin: Susanne Kleine 14 JOSEPHINE BAKER Freiheit – Gleichheit – Menschlichkeit
Mai – 24. September 2023 Am 30. November 2021 wurde Josephine Baker als sechste Frau überhaupt in die Ruhmeshalle der französischen Nation aufgenommen, ins Panthéon. Eine Ehrung mit Signalwirkung, denn Josephine Baker war viel mehr als ein Glamourgirl, auch wenn dieser Aspekt viele ihrer Lebens-leistungen überstrahlt. Sie war eine Freiheitskämpferin, die sich intensiv für gleiche Rechte für alle Menschen engagiert hat, unabhängig von ihrer Hautfarbe, Religion, Nationalität, Geschlecht oder sexuellen Orientierung. Ein Grund, der zu Recht Geehrten eine Ausstellung zu widmen, die in unserer Frauenreihe präsentiert wird und an die große Präsentation 1920er! Im Kaleidoskop der Moderne anknüpft. Josephine Baker, die 1906 in St. Louis am Mississippi in einem armen Schwarzenviertel geboren wurde, hat als Kind Rassentrennung und Rassenunruhen erlebt. Nach einem Karrierestart in Amerika, ging sie nach Europa und wurde in Paris der 1920er Jahre zum ersten weiblichen Superstar mit afroamerikanischen Wurzeln und zur höchstbezahlten Revuetänzerin der Welt. Mit ihren wild-exotischen Bühnenauftritten begeisterte sie das Publikum und die Pariser Kunst- und Literatenszene. Picasso soll sie mehrfach Modell gestanden haben, Hemingway schrieb über sie, Henri Matisse machte einen Scherenschnitt und Alexander Calder mehrere Drahtskulpturen. Später inspirierte Josephine Baker Künstler wie Andy Warhol, Keith Haring und Peter Lindbergh sowie Performerinnen wie Grace Jones, Madonna, Angelina Jolie und Naomi Campbell. Josephine Baker war zwar eine Ikone der 1920er Jahre, doch ihre Strahlkraft hat nie nachgelassen, weil sie ihr Leben dem Kampf um Freiheit gewidmet hat. Sie adoptierte zwölf Kinder unterschiedlicher Herkunft und statuierte mit ihrer Regenbogenfamilie ein Exempel gegen Rassismus und für Gleichheit und Gleichberechtigung. Für ihren Einsatz für ein freies Frankreich wurde sie nach 1945 von Charles de Gaulle ausgezeichnet. Für ihr Engagement in der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung wird seit 1951 am
Mai der Josephine Baker Day gefeiert. Martin Luther King holte sie für den March on Washington 1963 nach Amerika. Die Ausstellung beschäftigt sich mit Josephine Baker als Weltstar, Freiheitskämpferin und Ikone. Sie beleuchtet, worauf ihr Erfolg als erster „schwarzer“ Superstar gründete und wie sie die vermeintlichen Stigmata ihrer Hautfarbe in ihre Stärke verwandelte: Josephine Baker eroberte als Tänzerin, Sängerin und Schauspielerin ein Weltpublikum. Der Ruhm wurde ihre Waffe im Kampf gegen die Rassenpolitik der Nationalsozialisten, gegen den Rassismus innerhalb der amerikanischen Streitkräfte im Zweiten Weltkrieg und schließlich in der Bürgerrechtsbewegung. Bis heute ist sie Vorbild für Selbstermächtigung und gesellschaftliches Engagement. Die Neue Nationalgalerie, Berlin, plant für das Jahr 2023 ebenfalls eine Ausstellung zu Josephine Baker. Während sich die Bundeskunsthalle dem Leben und der Rezeption Josephine Bakers widmet, lässt sich die Berline Ausstellung von dem Motto „Life is art, art is life“ leiten. Kuratorinnen: Mona Horncastle, Katharina Chrubasik Ausstellungsleiterin: Katharina Chrubasik 15 WER WIR SIND
Mai – 8. Oktober 2023 Wer wir sind wirft einen Blick auf die Gegenwart und Vergangenheit jener Einwanderungsgesellschaft, die die Bundesrepublik Deutschland ausmacht, gegen deren Benennung als solche sie sich aber lange zur Wehr gesetzt hat. Heute sind wir längst in der postmigrantischen, postkolonialen Gesellschaft angekommen. Aber ist damit alles gut? Leben wir in einer Gesellschaft, in der Traum von Chancengleichheit und der Rechtssicherheit ungeachtet von Herkunft und Hautfarbe Realität geworden ist? Die jüngste Vergangenheit und die derzeitigen Debatten zeigen uns klar auf, dass Anspruch und Wirklichkeit noch längst nicht kongruent sind. Eine Frage, die im Zentrum steht, ist daher jene nach den Ursachen für den strukturellen Rassismus in Deutschland – jenen der Vergangenheit und jenen der Gegenwart. Das Recht auf Teilhabe und der Schutz vor Diskriminierung sind in unseren Grundrechten verbrieft. Gleiche Rechte bedeuten jedoch nicht gleiche Voraussetzungen: Herkunft, Religion und Kultur können zum Stigma werden. Wie steht es heute also tatsächlich um die Gerechtigkeit in unserer Gesellschaft? Auf welche Defizite und Errungenschaften können wir blicken – und wo darf sich der Sektor der Kunst und Kultur im Hinblick darauf verorten? Identität ist zum Schlagwort unserer Zeit geworden. Herkunft oder Religion, soziale Zugehörigkeit oder sexuelle Identität – all diese Kategorien können als identitätsstiftend begriffen werden. Es handelt sich gleichzeitig um Unterscheidungsmerkmale, auf denen sich Gruppenzugehörigkeiten gründen und mit den gleichen Mechanismen Ausgrenzung und Zurücksetzung produzieren. Das Diskriminierungsmuster, das unsere Gesellschaft am kontinuierlichsten durchdringt, ist der Rassismus. Lange tabuisiert, wird er mittlerweile als strukturelles Problem erkannt. Langsam, aber in immer breiteren Ebenen bildet sich ein Bewusstsein über gesellschaftliche Benachteiligung und Privilegierung. Ein Diskurs, der die Schieflage benennt, in der sich Anspruch und Wirklichkeit unserer demokratischen Gesellschaft befinden, ist gerade erst im Entstehen begriffen. Die Fragen, die immer virulenter werden, betreffen vor allem jene Bereiche, in denen unsere Lebensrealität und die Ideale unserer Gesellschaft auseinanderdriften. Wenn wir keine rassistische Gesellschaft sein möchten – warum hat Rassismus in ihr dann so viel Platz? Die Kunst als Avantgarde der Gesellschaft zu begreifen bedeutet auch, sie als Seismografen wahrzunehmen. Stärker denn je wird auch in der zeitgenössischen Kunstproduktion die eigene Perspektive thematisiert und hinterfragt. Identität und Erfahrungswelt der Künstlerinnen wird zum integralen Bestandteil der Kunstbetrachtung. Vor allem aber geraten die Institutionen in den Blick: Wer wird gehört und gesehen, wer trifft die Entscheidungen und wie durchlässig sind die Machtstrukturen? Die Ausstellung Wer wir sind macht es sich auch zur Aufgabe, gemeinsam mit Künstlerinnen kritisch über Machtstrukturen und das eigene Selbstverständnis zu reflektieren. Kuratorinnen: Johanna Adam, Lynhan Balatbat-Helbock, Dan Thy Nguyen Kuratorische Assistenz: David Muñoz, Elizabeth Namwanje (Volontärinnen des ICP – Intercultural Change Program) Kooperationspartner: DOMiD (Dokumentationszentrum und Museum für über die Migration in Deutschland) 16 DIE POSTMODERNE 1967 – 1992 (Arbeitstitel)
September 2023 – 28. Januar 2024 Das größte Exponat dieser Ausstellung ist die Bundeskunsthalle selbst. Zwar wollte ihr Architekt Gustav Peichl kein Postmoderner sein. Doch verbindet ihn schon diese Distanzierung mit den meisten Designerinnen und Architektinnen, die unter dem Begriff der Postmoderne verbucht werden – gleich, ob damit ein Stil gemeint ist oder ein gesellschaftlich-kulturelles Phänomen. Abstandnahme ist ein Grundprinzip postmoderner Gestaltung – die Skepsis gegenüber den Universalismen und Reinlichkeitsideologien der Moderne; und die Absage ans Diktat der Funktionalität. Die Ausstellung unterhält, indem sie all die Exzentrik in Design, Architektur, Mode und Pop präsentiert, von der bahnbrechenden Studie Learning from Las Vegas (1974) bis zu Michael Graves gigantischen Ressorthotels für die Disney World in Orlando (1990); von David Bowies Spiel mit Geschlechterrollen bis zu Michael Jacksons Musikvideo Thriller. Und sie vermittelt, indem sie daraus Kontexte baut und pointierte Fragen an die Gegenwart formuliert. Die Ausstellung führt in ein frenetisches Vierteljahrhundert, das wie ein Zerrspiegel der Gegenwart erscheint, weil sich in ihm bis heute bestimmende Brüche auftun: die Abwendung von politischen Bewegungen und die Hinwendung zum Selbst; die Digitalisierung; die Kulturalisierung der Ökonomie und die Ökonomisierung der Kultur; die Verschiebung der Realität in die Medialität, etc. Diese strukturelle Verwandtschaft trotz historischem Abstand ist vielleicht mit ein Grund, warum über die Postmoderne in den letzten Jahren wieder gestritten wurde: Während nach 1980 geborene Intellektuelle, zumal Künstlerinnen und Designerinnen, sich begeistert den eklektischen Provokationen in Kunst, Theorie, Architektur und Design zuwenden, werfen konservative Autorinnen der Postmoderne einen Nihilismus vor, der dem Rechtspopulismus und letztlich Präsident Trump und dem Brexit den Boden bereitet habe. Die Ausstellung versammelt das Material, das es erlaubt, alle Annahmen und Vorurteile über die Postmoderne zu überprüfen. Und im Abstand einer Generation zu fragen: Wenn seit der Jahrtausendwende die Postmoderne immer weniger zur Gegenwartsbeschreibung dient – ist sie dann vorbei oder stecken wir erst recht mitten drin? Ein chronologischer Überblick der Jahre 1967 bis 1992 stellt Entwicklungen in Kunst, Design, Architektur, Mode, Medien, Darstellenden Künsten, Musik, Literatur, Theorie, Politik, Film, Technologie und Wissenschaft gleichwertig nebeneinander und zueinander in Bezug. Die Ausstellung eröffnet mit Musikvideos, die Geschmack, Atmosphäre und Themen der Zeit aufrufen. Von da ab entfaltet sich ein chronologischer Parcours, in dem Möbel, Bücher, Modeentwürfe, Architekturmodelle, Manuskripte und das erste Mobiltelefon oder der erste PC Konstellationen eingehen. Die bis heute einflussreiche Kunst insbesondere der Pictures Generation, darunter Sturtevant, Barbara Kruger, Louise Lawler, John Baldessari und Sherrie Levine, bildet präzise gesetzte konzeptuelle Fluchtpunkte. Kuratorinnen: Eva Kraus, Kolja Reichert Ausstellungsleiterin: Susanne Annen 17 BUNDESPREIS FÜR KUNSTSTUDIERENDE
Bundeswettbewerb des Bundesministeriums für Bildung und Forschung
Oktober 2023 – 7. Januar 2024 Der Startschuss für den 26. Bundespreis für Kunststudierende ist gefallen. Die 24 Kunsthochschulen in Deutschland haben jeweils ihre zwei Kandidatinnen für den Wettbewerb nominiert. Bis Ende November 2022 erfolgt die Einsendung der digitalen Portfolios durch die Kunststudierenden. Aus den eingereichten Portfolios wählt die Jury, bestehend aus drei unabhängigen Expertinnen, im Januar 2023 bis zu acht Preisträgerinnen aus. Für den 26. Bundespreis für Kunststudierende konnten Fatima Hellberg, Direktorin Bonner Kunstverein, Anna Nowak, Kuratorin, Kunsthaus Hamburg, und Christiane Mennicke-Schwarz, Künstlerische Leitung, Kunsthaus Dresden gewonnen werden. Der Bundespreis für Kunststudierende wird alle zwei Jahre vom Bundesministerium für Bildung und Forschung ausgeschrieben. Es ist ein Wettbewerb, der sich an Studierende der 24 deutschen Kunsthochschulen richtet, die in der Rektorenkonferenz der Kunsthochschulen versammelt sind. Jede Hochschule nominiert zwei Studierende, die sich um die Preise bewerben. Der Bundespreis gilt als eine der wichtigsten Auszeichnungen für junge Künstlerinnen in Deutschland. Die Gestaltung von Plakat, Katalog und Website wird jeweils von einer der beteiligten Hochschulen übernommen. Beim 26. Bundeswettbewerb ist die Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart dafür verantwortlich. Die Bundeskunsthalle präsentiert den Wettbewerb bereits seit 1994. Er wurde 1983 unter dem Titel Kunststudenten stellen aus ins Leben gerufen. Die Ausstellung bietet damit einen guten Einblick in die sehr junge Produktion zeitgenössischer bildender Kunst in Deutschland. Kooperationspartner: Bundesministerium für Bildung und Forschung und Deutsches Studentenwerk Ausstellungsleitung: Martin Hoffmann
IMMANUEL KANT UND DER GEIST DER AUFKLÄRUNG
November 2023 – 10. März 2024 Am 22. April 2024 jährt sich der Geburtstag des Philosophen Immanuel Kant (1724– 1804) zum 300. Mal. Kants bahnbrechende Beiträge zur Aufklärung, seine Überlegungen zur Ethik, Emanzipation, Erkenntnistheorie und Völkerrecht gelten bis heute als Referenzpunkte für richtungsweisende Debatten. Die Ausstellung soll das Werk Immanuel Kants einem philosophisch nicht vorgebildeten, explizit auch jungen Publikum mittels innovativer, leicht zugänglicher Vermittlungsformate nahebringen. Dabei sollen die vier berühmten kantischen Fragen: „Was kann ich wissen? Was darf ich hoffen? Was soll ich tun? Was ist der Mensch?“ die Ausstellung inhaltlich strukturieren. Im Rahmen dieser Themenkreise werden hochkarätige Exponate (Gemälde, Grafiken und Skulpturen, wissenschaftliche Instrumente, Modelle und Karten, Handschriften und Drucke u. a) die Kernthemen der Aufklärung, die den Ausgangspunkt für Kants Wirken bildeten, visualisieren. Gleichzeitig rücken die historische Person Immanuel Kant, sein Umfeld und seine Netzwerke in den Fokus der Betrachtungen – eine Perspektive, die in der Kant-Forschung bisher relativ wenig Beachtung fand. Kants Biografie war aufs Engste mit der städtischen Umgebung von Königsberg verbunden, wo er 73 Jahre seines langen Lebens verbrachte. Die preußische Residenzstadt bildete nicht nur sein kreatives Milieu (die Lehrtätigkeit, die legendären täglichen Stadtspaziergänge und die Tischgesellschaften), sondern strahlte als geistiges Zentrum ihrer Epoche in den gesamtdeutschen und europäischen Raum hinein. Eine nach dem neuesten Stand der Technologie entwickelte VR-Rekonstruktion des barocken, 1944/45 völlig zerstörten, Königsbergs bildet ein zentrales Vermittlungselement der Ausstellungsinhalte. Die drei VR-Stationen ermöglichen ein immersives Erlebnis, eine imaginäre Reise in Raum und Zeit. Diese virtuellen Welten sollen das Publikum, mit Kant, seinen Ideen und seiner Epoche vertraut machen. Die an signifikanten Stellen des Rundgangs eingeführten Vertiefungsebenen und direkte Vergleiche des rekonstruierten Stadtbildes mit dem heutigen Kaliningrad sowie die Illustrationen der Graphic-NovelAutorin Antje Herzog vervollständigen das multisensorische Erlebnis. Für das Sommersemester 2024 ist in Zusammenarbeit mit dem Digitalen Kant-Zentrum NRW und der Universität Bonn eine Ringvorlesung in der Bundeskunsthalle geplant, die sich an ein breites Publikum richtet. Sie bildet eine inhaltliche Brücke zu dem großen internationalen Kant-Kongress, der im September 2024 von der Universität Bonn ausgerichtet wird. Mit diesen beiden prominent besetzten Veranstaltungen wird Bonn im Jubiläumsjahr des Philosophen auch über das Ausstellungsende hinaus als attraktiver Kant-Hotspot überregional wahrgenommen. Kuratorisches Team: Agnieszka Lulińska und Thomas Ebers Ausstellungsleiterin: Agnieszka Lulińska Kooperationspartner: Ostpreußisches Landesmuseum, Lüneburg 19 ANNA OPPERMANN
Die Bundeskunsthalle hat in 53177 Bonn, Stadtteil Bad Godesberg, Am Fronhof 1, ein Ladenlokal angemietet, ein Raum, in dem Gemeinschaft, Dialog und Kultur neu gedacht werden. Er trägt den Namen „Salon“, ein Wort, das in verschiedenen Kulturkreisen verwendet wird. Das Outreach-Projekt ermutigt Godesberger Vereine wie Bürgerinnen dazu, Programm selbst zu gestalten – sei es für den monatlichen Lesekreis, den Hip-HopWorkshop oder den Zeichenkurs. Der neue Ort ermöglicht Erfahrungen und stellt Lernangebote bereit. Frei von Barrieren und Hierarchien lädt SALON 53177 zum Ausprobieren, Verweilen und Einander-Kennenlernen ein. Durch das Projekt möchte die Bundeskunsthalle besonders diejenigen Gruppen ansprechen, die aus unterschiedlichen Gründen bislang nicht an den Angeboten des Hauses teilhaben konnten. Eintrittskosten, Sprachbarrieren oder auch fehlende Identifikation mit den Inhalten der Ausstellungen sind Beispiele für Hürden, die den Zugang dieser Gruppen zu kulturellen Angeboten erschweren. Die enge Zusammenarbeit mit der Stadtgesellschaft im SALON 53177 kann diese Hürden abbauen – und gleichzeitig neue Brücken bauen: Wo Nachbarinnen miteinander ins Gespräch kommen, Ideen austauschen und eigene Projekte entwickeln, wird auch der Zusammenhalt im Stadtteil gefördert. Dabei versteht die Bundeskunsthalle die Vernetzung mit lokalen Akteur*innen und den Aufbau eines breiten Kooperationsnetzwerks als zentrale Bausteine des Projekts: Statt in Konkurrenz zu bestehenden Initiativen zu treten, möchte sie im Gegenteil voneinander lernen und gemeinsam ein ansprechendes Angebot gestalten. Für die Teilnahme an den Angeboten wird keinerlei Vorerfahrung in den Bereichen Kunst oder Museum benötigt – lediglich Freude am Experimentieren und Interesse am Austausch. SALON 53177 ist derzeit im Aufbau und wird in Zusammenarbeit mit dem Studio please don’t touch, Dortmund, gestaltet. Am 30. November 2022 findet die erste Veranstaltung mit einer Märchenerzählerin und einem Bastelangebot statt, im Dezember 2022 soll er bereits zeitweise zugänglich sein, um Neugierde zu wecken. Im Jahr 2023 sollen bis zu 300 Workshops im künstlerischen, kreativen und musikalischen Bereich sowie ein Sommerfest stattfinden. Das von der Beauftragten für Kultur und Medien geförderte Outreach-Projekt zur Bekämpfung von Rassismus und Rechtsextremismus hat im August 2022 begonnen. Der Förderzeitraum endet im Juni 2024. Projektleitung: Fiona Sprack, Eva Kraus, Johanna Adam 21 Live arts MOUVOIR / Stephanie Thiersch, Martha Mavroidi, Mariana Sadovska & friends Tanz/Performance/Konzert Hello to Emptiness
und 21. Januar 2023 Trauerrituale und Klagegesänge sind so alt wie die Menschheit selbst. Hello to Emptiness erkundet den Umgang mit Trauer und Verlust in einem poetischen Abend zwischen Choreografie und Konzert, der der Intimität und dem Verbindenden traditioneller und moderner Klagelieder aus Griechenland, Korea und anderen Ländern nachspürt. Ausgehend von griechischen Klagegesängen, den Moiroloi (dt. „Rede über das Schicksal“), macht sich die Regisseurin und Choreografin Stephanie Thiersch mit einem hochkarätigen Ensemble aus fünf Musikerinnen und Tänzerinnen auf die Suche nach dem verlorenen Wissen um Trauerrituale. Ein „Chor der Älteren“ unterstützt, kommentiert oder verdreht die Gesänge und Bilder, verbindet Dunkelheit mit Licht, Leichtigkeit mit Witz. Lieder und Riten aus Ost- und Südeuropa, barocke Stücke und zeitgenössische Kompositionen finden ebenso Eingang wie Texte von Amanda Gorman oder Kae Tempest. Über den persönlichen Bereich des Verlustes hinaus erweitert Hello to Emptiness die künstlerische Fragestellung in die aktuellen allgemeinen Probleme unserer Zeit: Wie prägen Klimawandel, Artensterben und Kriege unsere Form der Klage und Trauer? Wie hat die Pandemie unseren Blick und unser Denken in Bezug auf Verlust verändert? Welchen Wert schreiben wir als Gemeinschaft dem Leben zu, und welche Räume erschaffen wir, um in diesem Leben zu trauern? Bahar Temiz, Olympia Bukkakis Performance Lavender Paths
März 2023 Szenisch-musikalische Performance zu Musik von Ludwig van Beethoven, John Adams, Robert Schumann, Bryce Dessner und Caroline Shaw. In Kooperation mit dem Theater im Ballsaal Bonn 22 Minimal Utopia Orkestra Konzert
April 2023 Folkloristische Avantgarde? Spontane Durchdachtheit? Minimalistischer Prog-Rock? Maghreb Rap. Können Sie sich nicht vorstellen? Das alles ist „Minimal Utopia“, ein Experiment entstanden aus dem Projekt „Heimatlieder aus Deutschland“. Das heute 8-köpfige Ensemble spielte im Januar 2020 als Abschluss des vom Deutschen Musikfonds geförderten Kunstprojekts im Berliner radialsystem vor ausverkauftem Haus. Die fragmentierte Folklore aus vier Kontinenten, in der kubanische und vietnamesische, aber auch serbische und marokkanische Musiken in einem neuen Ding aufgehen, wurde frenetisch gefeiert. Fast 2 Jahre später spielt das MUO nun seinen zweiten Auftritt als offizielle Beendigung des Kunstprojekts und Record Release Party in Einem. Beim Auftritt am 21. April 2023 in der Bundeskunsthalle zeigt das MUO einen weiterentwickelten Sound, der nun neben den zahlreichen handgemachten Instrumenten auch elektronische Elemente enthält. Das ist kein Stück „multikulti“, nicht beliebig, sondern einfach jetzt: So widersprüchlich wie die Zeit, in der wir leben. Amos Ben-Tal/Off Projects & Ragazze Quartett Tanz/Musik
WORTH FIGHTING FOR –Kunstausstellung ukrainischer Künstler in Köln
– Kuratiert von Björn Geldhof, Kiew und Bart de Baere, Antwerpen – Internationale Kunst im Dialog mit aktuellen Werken ukrainischer Künstler – Angelehnt an Davoser Projekt ‘Russian War Crimes’
Vom 15. November bis 14. Dezember 2022, im Campus M, Oskar-Jäger-Straße 97-99, 50825 Köln, Eintritt frei
Zur Ausstellungseröffnung am 14.11.2022 um 19:00 Uhr werden u.a. Berivan Aymaz (Vizepräsidentin des Landtages NRW), Gonca Türkeli-Dehnert (Staatssekretärin im Ministerium für Kultur und Wissenschaft),Oleksij Makejew (Botschafter der Ukraine) und Dr.Ralph Elster (Bürgermeister Stadt Köln) erwartet.
Köln, 14. November 2022 – Wo einst Neuwagen präsentiert wurden, finden nun Kunst- und Kulturveranstaltungen statt. Aufgrund der vorhandenen guten Beziehungen zu Zilkens Fine Art konnte das Joint Venture zwischen der bema Gruppe und der AGB Real Estate Group, die das Gesamtareal gemeinsam entwickeln, in enger Abstimmung mit der Stadt Köln eine Genehmigung für die kulturelle Zwischennutzung der Hallen des ehemaligen Autohauses Dresen erwirken. Den Beginn der Kulturveranstaltungen macht am 14. November 2022 die Ausstellung „WORTH FIGHTING FOR“, die vor dem Hintergrund des Ukraine-Krieges bildnerische Arbeiten, Objekte und Installationen ukrainischer Gegenwartskünstler zeigt. Die Ausstellung wird mit rund 200.000 € aus dem Etat von Kulturstaatsministerin Claudia Roth maßgeblich unterstützt. „Es bewegt mich sehr, dass wir „WORTH FIGHTING FOR“ in dieser Form erstmalig in Deutschland präsentieren können,” so Dr. Stephan Zilkens, Geschäftsführer Zilkens Fine Art. „In dem wir die Ausstellung nach Köln holen, bieten wir eine erweiterte Auseinandersetzung mit Kunst aus der Ukraine in einem internationalen Umfeld und ermöglichen einen emotionalen Dialog,“ so Zilkens weiter. Über 40 Werke zeigen u.a. die Schrecken der russischen Invasion. Kuratiert wurde die Ausstellung von Björn Geldhof, dem künstlerischen Direktor des PinchukArtCenter, dem führenden ukrainischen Museum für zeitgenössische Kunst in Kiew und Bart de Baere, Direktor des Museums für zeitgenössische Kunst (M HKA) in Antwerpen.„Wir freuen uns sehr, dass wir dieser bemerkenswerten Ausstellung den Raum und den ukrainischen Künstlern eine Stimme geben können,“ so Michael Reiß, Senior Manager Projektentwicklung der bema Gruppe. „Das Entwickler-Team stellt sich damit der Verantwortung die vorhandenen Ressourcen zu nutzen und im Sinne eines ‘social and cultural return’ der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Damit verlängert sich zum einen der Lebenszyklus der Gebäude, bis der Standort in ein neues Quartier transformiert wird, und ganz nebenbei bieten wir einer hochkarätigen Ausstellung die Möglichkeit der Öffentlichkeit präsentiert zu werden”, so Reiß weiter. „WORTH FIGHTING FOR“Bereits im Juni dieses Jahres gipfelte die Zusammenarbeit des PinchukArtCenter und des M HKA in einer gemeinsamen Ausstellung mit dem Titel “When Faith Moves Mountains“, die das PinchukArtCentre in Kiew wiedereröffnete. Obwohl die Sammlung nicht gegen Schäden durch Krieg und Terrorismus versichert werden kann, entschied sich die flämische Regierung dafür, Ressourcen zu teilen und einen bedeutenden Teil ihres Erbes in die Ukraine zu investieren. Diese Arbeiten werden im Dialog mit Werken ukrainischer Künstler gezeigt, von denen viele während des Krieges entstanden sind. Das Ergebnis ist ein Raum, der uns einlädt, über die unmittelbaren Dringlichkeiten des Krieges hinaus zu fühlen, zu denken und zu reflektieren. Die Ausstellung gliedert sich in sieben Denkräume, in denen jeweils eine Person des öffentlichen Lebens das Thema reflektiert: Dem Raum des Krieges, dem Raum der internationalen Beziehungen, dem Raum der Landschaft, dem Raum der Heimat, dem Raum kollektiver Bestrebungen, dem Raum individueller Bestrebungen sowie dem Raum der Kunst. Letzterer bezieht sich auf die Ausstellung „Russian War Crimes“, präsentiert vom PinchukArtCentre und der Victor Pinchuk Stiftung in Zusammenarbeit mit dem Büro des Präsidenten der Ukraine, des Außenministeriums der Ukraine, der Ukraine 5AM Coalition sowie der ukrainischen Vereinigung professioneller Fotografen. Folgende ukrainische Künstler sind in der Ausstellung in Köln vertreten: Oleksandr Burlaka (1982), Oksana Chepelyk (1961), Danylo Galkin (°1985), Nikita Kadan (°1982), Alevtina Kakhidze (°1973), Nikolay Karabinovych (°1988), Lesia Khomenko (°1980), Kinder Album(°1982), Vlada Ralko (°1969), Oleksii Sai (°1975), Andriy Sagaidakovsky (°1957), Yevhen Samborsky (°1984), Anna Zvyagintseva (°1986) und den Künstlerduos Daniil Revkovskiy (°1993) & Andriy Rachinskiy (°1990) und Yarema Malashchuk (°1993) & Roman Khimei (°1992),Sowie Werke von Hüseyin Bahri Alptekin (°Türkei, 1957-2007), Francis Alÿs (Belgien, 1959), Babi Badalov (°Aserbaidschan, 1959), Jan Cox (°Niederlande + Belgien, 1919-1980), Berlinde De Bruyckere (°Belgien, 1964), Jan de Lauré (°Belgien, 1978), Marlene Dumas (°Südafrika, 1953), Jan Fabre (°Belgien, 1958), Sheela Gowda (°Indien, 1957), Hiwa K (°Irak,1975), Barbara Kruger (°USA, 1945), Mark Lewis (°Kanada, 1958), Kerry James Marshall (°USA, 1955), Almagul Menlibayeva (°Kasachstan, 1969), Nastio Mosquito (°Angola, 1981), Otobong Nkanga (°Nigeria, 1974), ORLAN (°Frankreich, 1947), Wilhelm Sasnal (°Polen, 1972), Allan Sekula (°USA+USA, 1951-2013), Adrien Tirtiaux (°Belgien, 1980), Luc Tuymans (°Belgien, 1958). Die Ausstellung wurde unterstützt vom Ministerium für Kultur und Medien mit 200.000 €, vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft NRW mit 100.000 € und von der Kulturstiftung NRW mit 48.000 €.
Das K*WERK bespielt in diesem Jahr vier Tage und Nächte das Theatermuseum Düsseldorf mit Performances, Bildender Kunst, Filmscreenings, Konzerten und DJ-Sets. Ein verlängertes Festival-Wochenende um Kunst zu machen, Kunst zu schauen, zu netzwerken und die Revolution zu proben. Die Künstler:innen vor, auf und hinter der Bühne? FLINTA* only.
Art & politics, but make it pop!
Die Abkürzung FLINTA* steht für Frauen, Lesben, intergeschlechtliche, nonbinäre, transgender und agender Menschen – also diejenigen, die in den Strukturen von Kunst und Kultur vor besonders vielen Herausforderungen stehen. Das Festival ist Plattform und Showcase, Netzwerktreffen und Publikumsmagnet. Es richtet mit Herzblut, Spucke und Glitzer das Spotlight auf diejenigen, die sonst hart darum kämpfen müssen.
Free entry!
Um mit Kunst möglichst viele Menschen zu erreichen, ist es dem Netzwerk eine Herzensangelegenheit, das Festival ohne die Hürde eines Eintrittspreises zu veranstalten. Dennoch wollen Künstler:innen und Orga-Team fair bezahlt werden – darum gibt es online und vor Ort Solidarity-Tickets zu kaufen.
Das Line-up!
Nach einem Open Call (gleiche Chancen für alle!) und kollektiv kuratiert von Anna Tenti, Laura Jil Beyer, Lena Lindemann und Nadia Malik wechseln sich Local Hero:ines und Newcomer:innen auf den Bühnen ab:
Bildende Kunst Olivia Acar, Rebecca Acar, Helena Mertens, Gianni Passeretti
ART FESTIVAL 22.–25. September 2022 Theatermuseum Düsseldorf
Das K*WERK vernetzt die Kunst- und Kulturszene in und um NRW. Eine Plattform für kollektives Empowerment – mit regelmäßigen Workshops & Impulsen, Open Spaces & Show-offs. Das Netzwerk connectet und supportet Frauen, Lesben, intergeschlechtliche, nonbinäre, transgender und agender Menschen (FLINTA*). Das Ziel: eine faire und zugängliche Kunst- und Kulturbranche für alle.
Ausstellung Düsseldorf: „HOWTO: USE NATURE“ (25.09. -16.10.22)
Ein Treibhaus wird zum Ausstellungsort für Künstlerinnen: „HOWTO: USE NATURE “ Laufzeit: 25.09.22 – 16.10.22. Eröffnung: 24. September, 14 Uhr 16 Uhr Performance von Tanja Kodlin & Ramòn Graefenstein Treibhaus der ehemaligen Gärtnerei Mertens Allmendenweg 44 40221 Düsseldorf-Volmerswerth 500 qm – Künstlerinnen erobern ein Treibhaus in Volmerswerth
Im landwirtschaftlich geprägten Düsseldorfer Stadtteil Volmerswerth befinden sich Gewächshäuser in mehreren Reihen direkt am Rhein. In der Ausstellung HOWTO: USE NATURE interagieren neun Künstlerinnen und Künstler mit der Treibhausarchitektur als einer geschlossenen, landwirtschaftlichen Produktionseinheit. Das Treibhaus, das als Ausstellungsraum dient, war vormals Teil einer mittelständischen Gärtnerei, die unter anderem Balkongewächse auf Wochenmärkten verkaufte. Auf rund 500 Quadratmetern zeigt HOWTO: USE NATURE ein Ökosystem künstlerischer Arbeiten, die sich mit pflanzlichem Leben, der Verschränkung von Natur- und Kulturgeschichte sowie Fragen industrieller Produktion beschäftigen.
Ein Howto ist eine Kurzanleitung und hier: eine Kurzanleitung zur Nutzung von Natur. HOWTO: USE NATURE befragt gängige Verwertungslogiken und zeitgenössische, westliche Kultur als eine Lebensweise, die von permanenter Verfügbarkeit geprägt ist. Funktionalisierung ist die bestimmende Sichtweise auf die Welt und das Selbst. Dabei ist das, was als Natur gelten soll, keinesfalls eindeutig. Vielmehr zeigen die ausgestellten Arbeiten die unbedingte Verbindung von Natur und Kultur, die komplexen Verflechtungen, in die menschliches Leben eingebettet ist, sowohl auf materieller als auch auf ideeller Ebene. Durch die Glaspanele des Treibhauses kann Sonnenlicht ungehindert eindringen, während die daraus resultierende Wärme im System gehalten wird. In der Atmosphäre, die die Erde als hauchdünne Schicht umgibt, geschieht etwas Ähnliches im planetaren Maßstab. Der natürliche Treibhauseffekt ist eine Bedingung irdischen Lebens. Seine Verstärkung durch menschlichen Eingriff jedoch stellt Leben, wie es gegenwärtig auf dem Planeten organisiert ist, in Frage. Die Künstlerinnen und Künstler von HOWTO: USE NATURE arbeiten mit den klimatischen Bedingungen des Gewächshauses, nutzen es als einen Erfahrungsraum und erkunden die Differenz zwischen Innen und Außen anhand der dünnen Haut, die sie voneinander trennt. Das Treibhaus wird reflektiert in seiner Funktion zwischen ökonomischen und ökologischen Konstellationen, pflanzliches Leben, zwischen Verwertungslogik und wechselseitiger Fürsorge, Kategorisierung, Kontrolle und dem Verlust derselben.
Teilnehmende Künstler*innen: Liza Dieckwisch, Arpad Dobriban, Friederike Haug, Markus Hiesleitner, Jungwoon Kim, Matthias Ramòn Graefenstein & Tanja Kodlin, Martin Schwenk und Katharina Veerkamp. Kuratiert: Liza Dieckwisch, Arpad Dobriban, Jungwoon Kim und Katharina Veerkamp. Text: Lena Johanna Reisner
Die Ausstellung wird von der Stiftung Kunstfonds, der Kunststiftung NRW, dem BBK Berlin und dem Kulturamt der Stadt Düsseldorf gefördert.
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Die Kunstpunkte Düsseldorf bieten auch in diesem Jahr wieder ein vielfältiges Programm für alle Kunstliebhaberinnen und Kunstliebhaber: Zum 26. Mal öffnen Düsseldorfer Künstlerinnen und Künstler an den Wochenenden 20. und 21. August im nördlichen Düsseldorf und am 27. und 28. August im südlichen Düsseldorf ihre Ateliers, um exklusive Einblicke in ihre Arbeiten und Werke zu geben.
Über 350 Künstlerinnen und Künstler präsentieren dann ihre Arbeitsstätten den interessierten Besucherinnen und Besuchern an insgesamt 203 Standorten in der Stadt. Ob Malerei, Bildhauerei, Fotografie oder Videokunst – jede Ausdrucksform künstlerischen Schaffens wird bei den Kunstpunkten repräsentiert.
Zudem sind auch internationale Künstlerinnen und Künstler vertreten. Am zweiten Kunstpunkte-Wochenende stellt zum Beispiel der israelische Kunstschaffende Tamir Shefer eine Auswahl seiner Werke im „Atelier am Eck“ im Salzmannbau in Bilk aus. Die ukrainische Künstlerin Oksana Pyzh zeigt in ihrer Atelierausstellung in der Aachener Straße Werke, die sich mit den Auswirkungen des ukrainischen Krieges beschäftigen. Dabei steht die Beziehung zwischen Körper und Körperlichkeit – vor dem Hintergrund militaristischer Landschaften – im Fokus. Die Ateliers können samstags von 14 bis 20 Uhr und sonntags von 12 bis 18 Uhr besucht werden.
Miriam Koch, Beigeordnete für Kultur und Integration: „Auch in diesem Jahr bieten die Kunstpunkte einen spannenden Einblick in die vielfältigen künstlerischen Arbeiten, die Düsseldorf täglich bereichern. Interessierte haben die exklusive Möglichkeit, den kreativen Prozess verschiedener Künstlerinnen und Künstler hautnah mitzuerleben. Durch die Öffnung vieler Offräume können viele Besucherinnen und Besuchern darüber hinaus auch bisher unbekannte Orte in der Landeshauptstadt neu entdecken.“
Neue Ausstellungsräume präsentieren Kunst
Insgesamt beteiligen sich auch 25 Offräume in der gesamten Stadt an den Kunstpunkten. Das sind von Künstlerinnen und Künstlern selbst organisierte Ausstellungsräume. Erstmals dabei ist in diesem Jahr zum Beispiel „the pool“. Der Ausstellungsraum befindet sich etwas versteckt eingegraben in die Erde im ehemaligen Schwimmbad des Terrassenhauses Tersteegenstraße.
Außer „the pool“, debütiert auch der Ausstellungsraum K29. Die Räumlichkeiten des Ateliers und Offraums werden verbunden, um Arbeiten von Absolventinnen und Absolventen der Düsseldorfer Kunstakademie in der Ausstellung „Blossom Pink – erblühende Kunst“ zu präsentieren.
Zum zweiten Mal ist „AURA“ Teil der Kunstpunkte. Der Ausstellungsraum lädt die miteinander befreundeten Künstler und Musiker Dao Yuan Sun und Filip Gudović dazu ein, eine gemeinsame Ausstellung zu realisieren, die die Unmittelbarkeit von Musik und Malerei gegenüberstellt. Wie kann ein Klang eine Form sein? Wie kann eine Farbe zum Klang werden? Die vielseitig interessierten Künstler beschäftigen sich spezifisch mit vermeintlich anstrengender und aufdringlicher Techno- und Hardstyle-Musik, die ein übersättigtes und überdrehtes Lebensgefühl in der gegenwärtigen Zeit reflektiert.
Die Offräume öffnen freitags vor den Kunstpunktewochenenden jeweils zwischen 19 und 21 Uhr für Ausstellungseröffnungen, Filme, Konzerte oder Performances. Einige Räume öffnen zudem auch als Kunstpunkte an den Wochenendtagen.
Kostenlose Atelierführungen
Auch dieses Jahr werden an beiden Wochenenden wieder moderierte Atelierbesuche in ausgewählten Ateliers und Offräumen stattfinden. Diese werden von Kunst- und Kulturschaffenden durchgeführt. Dabei gibt es interessante Informationen zu den einzelnen Kunstpunkten und spannende Einblicke in die Arbeit der Künstlerinnen und Künstler. Die Touren dauern rund zwei Stunden und finden zu Fuß statt. Die Anmeldung erfolgt online unter www.kunstpunkte.de. Das Angebot ist auch dieses Jahr wieder kostenlos.
Vielfältige Eindrücke bei Social Media
Darüber hinaus können die Veranstaltung online in den sozialen Medien verfolgt werden. Nachdem die Kunstpunkte 2020 unter www.instagram.com/kunstpunkte zu finden waren, wird diese Plattform 2022 noch intensiver genutzt. Weitere Informationen über die beteiligten Künstlerinnen und Künstler, Offräume und das Programm unter www.kunstpunkte.de. Eine Karte zeigt alle beteiligten Standorte der Ateliers und Offräume.
Der Kunstpunkte-Flyer ist kostenlos beim Kulturamt der Landeshauptstadt Düsseldorf, Zollhof 13, erhältlich. Außerdem liegt er in zahlreichen Kultureinrichtungen aus. Die Kunstpunkte werden auch 2022 wieder von den Stadtwerken Düsseldorf unterstützt.
Am Samstag, 11. Juni, öffnen wieder zahlreiche Kulturinstitute ihre Türen und bieten von 19 bis 2 Uhr ein abwechslungsreiches Programm
Nach zweijähriger Corona-Pause lädt die 20. Düsseldorfer Nacht der Museen am Samstag, 11. Juni, wieder zu einem kunstvollen Abend im Mondlicht ein. Rund 40 Museen und Galerien öffnen zwischen 19 und 2 Uhr ihre Pforten und präsentieren ein abwechslungsreiches Programm voller Inspiration und Überraschungen.
Miriam Koch, Beigeordnete für Kultur und Integration: „Nach zwei Jahren Pause freuen wir uns besonders, dass die Nacht der Museen wieder dazu einlädt, die Düsseldorfer Kultur in ihrer ganzen Vielfalt kennenzulernen. Dabei haben alle Besucherinnen und Besucher neben den Angeboten der großen Museen auch die Möglichkeit, Urban-Street-Art und Performances an ungewöhnlichen Veranstaltungsorten zu erleben.“
KUNSTHALLE Düsseldorf, ®Katja Illner
Die Düsseldorfer Nacht der Museen lädt auf eine Reise von den Tiefen der Meere im Aquazoo bis auf die Spitze des Mount Everest im Polnischen Institut ein. Vorbei an Fragmenten der Pariser Nacht im Institut français, einem zehn Meter hohen Nachbau des New Yorker Guggenheims im Stadtteil Oberbilk und interdisziplinärer brasilianischer Kunst im K20. Ab in die Zukunft – und weit zurück in die Vergangenheit.
Buntes Programm von Barbie-Sammlung bis Tattookunst
Es öffnen sich die Türen eines Off-Space mit über 80 Ateliers und Ausstellungsflächen im ES365. Über 70 Street-Art-Künstlerinnen und -Künstler ziehen ein ins Hotel „friends“. Darüber hinaus können Werke von 190 regionalen und überregionalen Kunstschaffenden der Ausstellung „Die Grosse“ direkt von den Wänden von Kunstpalast und NRW-Forum gekauft werden.
Im Rheinturm locken eine Fotoausstellung und der Blick über die Stadt. Nach dem Flanieren im Schloss Benrath lädt eine historische Straßenbahn zur Nostalgie-Fahrt. Die weltgrößte Barbiepuppen-Sammlung in der Galerie Cebra kann ebenso wie eine Kammer mit unermesslichen Schätzen in der Basilika St. Lambertus bestaunt werden. Dabei dürfen Romantik und Revolution ebenso wenig fehlen wie Urbane Kunst, Tattookunst und Glaskunst. Nachtfarbengewächse werden im Hafenkunstkino zu Kunstobjekten, Video- Mapping verwandelt die Brücke über dem Kunst- und Kulturstrand in ein bewegtes Kunstobjekt.
Die Besucherinnen und Besucher können die Welt mit den Augen von Dieter Nuhr im Hetjens – Deutsches Keramikmuseum sehen, die wohlklingende Stimme der Schauspielerin Alexandra Kamp im Heinrich-Heine-Institut hören, Selfies mit dem neuen digitalen Avatar im Goethe-Museum machen, selbst einen Trickfilm im Filmmuseum animieren, ihr eigenes Give-away im Theatermuseum drucken und sich an Workshops und Talks beteiligen.
Mit Musik durch die Nacht
Zu hören gibt es auch eine große musikalische Vielfalt – von klassischen Meisterwerken über starke Pop-Rocksongs bis hin zu experimentellen Soundinstallationen. Es wird geswingt, gejazzt und zu den Klängen von DJs unterschiedlichster Genres durch die Nacht getanzt.
Eintrittskarten und Shuttle-Angebote
15 Euro kostet die Eintrittskarte für alle teilnehmenden Veranstaltungsorte, sie ist zeitgleich Fahrkarte für den Shuttle-Service (Busse und historische Bahnen). Alle teilnehmenden Häuser werden durch kostenfreie Shuttle-Busse und die historische Straßenbahn miteinander verbunden, die im 10- Minutentakt fahren. Bus-Knotenpunkt und zentrale Info-Station ist der Grabbeplatz in der Altstadt.
Die Eintrittskarten sind im Vorverkauf ab Mitte Mai online unter www.nacht-der-museen.de, an den bekannten Vorverkaufsstellen sowie in nahezu allen beteiligten Museen und an den Veranstaltungsorten erhältlich. Besitzer einer gültigen Art:card haben kostenfreien Zutritt.
Alle Informationen zur Veranstaltung gibt es im ausliegenden Programmheft, auf der Website www.nacht-der-museen.de und über die Besucher-Hotline 0211-8999555.
Die Düsseldorfer Nacht der Museen wird vom Kulturamt der Stadt Düsseldorf gemeinsam mit „k/c/e Marketing GmbH“, Frankfurt, veranstaltet. Die Besucherzahl liegt im Durchschnitt bei circa 20.000 bis 25.000 Personen aus Düsseldorf und dem Umland.
Übersicht der Teilnehmenden:
Aquazoo Löbbecke Museum
Basilika St. Lambertus
ES365
Filmmuseum Düsseldorf
Goethe-Museum Düsseldorf
Haus der Geschichte Nordrhein-Westfalen mit Villa Horion
Heinrich-Heine-Institut
Hetjens – Deutsches Keramikmuseum
Institut français Düsseldorf
KAI 10 | Arthena Foundation
KIT – Kunst im Tunnel
Kunsthalle Düsseldorf
Kunstpalast
Kunstsammlung NRW – K20 Grabbeplatz
Kunstsammlung NRW – K21 Ständehaus
Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen
Mahn- und Gedenkstätte Düsseldorf
Maxhaus– Katholisches Stadthaus in Düsseldorf
NRW-Forum Düsseldorf
Polnisches Institut Düsseldorf
SchifffahrtMuseum im Schlossturm
Stadtmuseum Düsseldorf
Stiftung Schloss und Park Benrath: Corps de Logis, Museum für Gartenkunst, Naturkundemuseum
Theatermuseum Düsseldorf
Weltkunstzimmer
Sonderlocations:
701 # KÖ106
Cubic Studios
„Guggenheim in Oberbilk?“
Historischer Straßenbahnbetriebshof am Steinberg
hotel friends Düsseldorf
Rheinturm Düsseldorf
sipgate
Wacom Experience Center Düsseldorf
Open Air:
Hafen-Architekturspaziergänge
HafenKunstKino
Kunst- und Kulturstrand
Rollendes Museum (historische Straßenbahn)
Galerien:
Atelier Tintenmaid
Galerie Cebra
Die junge Galerie Kunst & Tonic
Kunstraum Brunnen
pretty portal
Stage 47 Hotel
Programmbeispiele:
Thematische Führungen zu Dauer- und Sonderausstellungen
Künstlergespräche, Talks, Vorträge, Lesungen
Theater, Performances
Video-/Lichtinstallationen, Filme
Live-Bands und DJ-Sets (u.a. Swing, Electro, Pop, Disco etc.)
Dazu in vielen Häusern abwechslungsreiche Gastronomie. Jede Location
arbeitet eigenverantwortlich ein Programm aus, die Gesamtkonzeption wird
über k/c/e Marketing GmbH und das Kulturamt der Stadt Düsseldorf
Die Kunstpunkte sind auf Instagram präsent. Erleben Sie dort vorab Künstlerinnen und Künstler in ihren Ateliers und hören Sie, was sie zu ihrer Arbeit sagen.
